El líder de la banda estadounidense Smashing Pumpkins, Billy Corgan, ha anunciado en el site oficial del grupo que su nuevo trabajo podrá ser descargado gratuitamente.

El disco que se denomina Teargarden by Kaleidyscope, estará compuesto por 44 canciones, que serán distribuidas gratuitamente por la web oficial (descargas para quién quiera, como quiera y cuantas veces quiera). Serán 11 EPs de 4 canciones y comenzará a subir temas a final de octubre.

Tras hacerlo en 2000 con Machina II, los Smashing vuelven a ofrecer sus canciones gratuitamente.

Un extracto de las palabras de Corgan:

"La grabación comenzó ayer, 15 de septiembre de 2009, sobre el nuevo disco que será titulado 'Teargarden por Kaleidyscope. El álbum incluirá 44 canciones, de las cuales 4 están siendo grabadas. Mi deseo es ir lanzando canciones comenzando alrededor de Halloween de este año. Cada canción estará disponible totalmente gratis, a cualquier persona en cualquier lugar. No habrá ningún tipo de condiciones. Gratis significa gratis, lo que significa que no tendrá que registrarse para nada, dar una dirección de correo electrónico, o saltar por un aro. Usted podra descargar la canción o canciones como desee, las veces que desee..."

Más info en este link (inglés).

El próximo día 28 de Octubre podremos ver en nuestras pantallas un documental sobre el artista titulado “Michael Jackson: This is it”. En él veremos escenas de sus últimos ensayos para los conciertos que tenía previsto hacer en Londres en su regreso a los escenarios.

Keny Ortega, que ya iba a hacerse cargo de la puesta en escena de dichos conciertos, firma como director este proyecto que contará también con comentarios de amigos del Rey del Pop. Según palabras del propio creador “Es una mirada muy privada y exclusiva en el mundo de un genio creativo”.

Las entradas se pondrán a la venta de forma anticipada el 27 de Septiembre y el documental sólo estará en nuestras pantallas durante dos semanas.

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Si algo se puede decir de Nena Daconte es que se preocupan por ofrecer buenos videoclips. Recordemos que, por ejemplo, Tenía tanto que darte fue elegido como Premio al Mejor Videoclip en los Premios de la Música y El Aleph, dirigido por J.A. Bayona, logró el Premio en el Festival Internacional de videoclips Lemonpop.

Ahora vuelven a la carga con Ay! Amor, el tercer sencillo extraído de Retales de Carnaval. Se grabó el pasado verano en Barcelona y en él, Mai Meneses y Kim Fanlo interpretan el tema por las calles de la ciudad, transmitiendo su buen rollo a la gente de sus alrededores. Luis Germanó y Paul Heimlund firman este clip que han definido como "fresco y espontáneo, cargado de detalles muy cercanos al gran público, donde se pone de manifiesto la gran conexión entre el grupo y sus fans".

Nena Daconte prosigue con su gira de conciertos y ya se han puesto a la venta las entradas para las dos últimas fechas, el 17 de octubre en Barcelona en la sala Razzmatazz y el día 24 en Madrid en La Riviera.

Es uno de los regresos más esperados de este año. Por fin Whitney Houston pone fin a seis años de silencio y vuelve a lo grande, como en su mejor momento, con su nuevo disco titulado I look to you.

Y como aperitivo nos ofrece "Million dollar bill", una canción compuesta por Alicia Keys y producida por Kasseem Dean, bailable con un impresionante ritmo funky, en la que luce su mejor voz.

Los fans de Houston ya no tienen que esperar para poder escuchar este nuevo disco. La diva ofrece en su web la posibilidad de escuchar los 11 temas en streaming. El próximo 1 de septiembre publica I look to you en formato digital a través de las plataformas de descarga y el día 15 en su formato físico de CD.

Whitney Houston no ha escatimado en su regreso y se ha rodeado para la creación y producción, además de Alicia Keys y Kasseem Dean, de Fernando Garibay, Nathaniel Hills, Stargate, R Kelly, Claude Kelly, Akon, Leon Russell, H. Mason, Diane Warren, David Foster, J. Austin, Eric Hudson o Tricky Stewart.

De I look to you destaca la versión que Houston hace del clásico "A Song For You", versionado por Donny Hathaway, The Carpenters, Aretha Franklin, Cher, Ray Charles, Simply Red y Michael Bublé, entre otros muchos artistas. R. Kelly ha compuesto el tema que le da título al álbum, y "Salute", "I didn't know my own strength" está escrita por Diane Warren y producida David Foster y en "Like I never left" participa con su voz Akon.

Los 11 temas de I look to you son:

1. Million Dollar Bill

2. Nothin' But Love

3. Call You Tonight

4. I Look To You

5. Like I Never Left

6. A Song For You

7. I Didn't Know My Own Strength

8. Worth It

9. For The Lovers

10. I Got You

11. Salute

50 Cent, uno de los raperos más cotizados de la actualidad, ha revelado que planea dar un espectacular giro a su carrera. El artista ha publicado en su cuenta de Twitter estas enigmáticas palabras: "50 Cent es solo un personaje que me inventé. Pronto será el momento de destruirlo y convertirme en otra persona."

Teniendo en cuenta que su próximo álbum, previsto para noviembre, se titulará Before I self destruct (Antes de que me autodestruya) y tendrá un tono "mucho más oscuro y agresivo" según el músico, todo apunta a que el final del 50 Cent que todos conocemos está al caer.

Algunos recordarán la cruzada personal que, hace tiempo, emprendió el ex-guitarrista de Korn y cristiano renacido Brian "Head" Welch con el objetivo de implantar la religión en la vida disoluta del rapero. El músico afirmó que el Señor en persona le había ordenado salvar a 50 Cent convirtiéndolo en un "soldado de Dios". Para ello, le dedicó una canción y le escribió una larga carta en que se ofrecía a ser su pastor y guiarlo hacia la luz. ¿Podríamos estar asistiendo a los primeros pasos de la conversión religiosa del gangsta por excelencia?.

Web oficial del rapero

La banda actuará en el Palacio de Deportes el próximo 29 de Septiembre

Si eres fan de Green Day, esperamos que ya tengas en tu poder una entrada para verlos en Madrid, porque se acaba de anunciar que han vendido todas las entradas. El concierto del Palacio de los Deportes es la primera de sus citas con el público español y será el próximo 29 de septiembre. Sin embargo, los más rezagados aún pueden verlos en el otro directo previsto para el 1 de octubre en el Palau Sant Jordi de Barcelona.

Green Day va a estar de gira durante 19 meses y pasarán por nuestro país, después de cuatro años para presentar su octavo disco, 21st Century Breakdown. Los encargados de ejercer de teloneros de la banda en España y Europa son los indies californianos Prima Donna, quienes presenta su álbum debut, Afters Hours.

Las entradas para estos conciertos salieron a la venta el 1 de mayo y el trío de Berkeley ha tardado varios meses en hacer "sold out", muy lejos de la marca que ha establecido Jay-Z. Tan sólo 20 segundos han estado a la venta los tickets para su próximo concierto en el Roundhouse de Londres del 17 de septiembre. El rapero y productor estará en la capital británica para presentar su nuevo álbum The Blueprint 3, cuyo primer single es Run this town, tema en el que aparecen Rihanna y Kanye West.

Se separaron en 1970 y emprendieron exitosas
carreras en solitario, pero sus acordes nunca han dejado de sonar al
unísono. Este jueves volverán a hacerlo en la pantalla de la mano de
Canal+, que emite el documental ‘All together now’, fruto de la alianza única de Los Beatles y El Circo del Sol, que dio como resultado el espectáculo ‘Love’.

Sin embargo, el espacio no es sólo una mera reposición de 'Love' sino además un testimonio entre bastidores en el que Paul McCartney, Ringo Starr, John Lennon, Yoko Ono y Olivia Harrison hablan de la polivalencia de la música de 'los escarabajos' que hicieron leyenda.

'All together now', dirigido por el director canadiense Adrian Wills, muestra a McCartney y Starr preparando concienzudamente la música del 'show' del Circo del Sol, que dio como resultado el álbum 'Love, 2006' , con dos premios Grammy por su producción.

En definitiva, quedan al descubierto todos los detalles sobre el proyecto nacido de la amistad y la profunda admiración entre el 'beatle' George Harrison y Guy Laliberte, fundador del Circo del Sol. Todo, este jueves a las 22:00 horas en Canal+.

Se puede ver la fuente de la noticia y un pequeño video en este enlace.

Creo que fue Miles Davis quien en una ocasión dijo que todos los músicos de jazz deberían un día ponerse de rodillas y dar gracias a Duke Ellington. De igual manera, todos los aficionados al blues una noche de principios de verano estamos obligados a acudir a un cruce de caminos polvorientos, levantar nuestro vaso y beber un trago largo, de esos que queman las tripas, a la memoria de Robert Johnson, donde quiera que se encuentre.

Os recomiendo leerlo con alguno de sus temas de fondo.

De Robert Johnson conocemos 29 canciones, dos fotografías y retazos confusos de una biografía que termina en muerte violenta a los 27 años. Con tan escaso material parece difícil construir un mito; pero pasados más de 65 años de su desaparición, sus 29 canciones se han convertido en clásicos versioneados hasta la saciedad, sesudos expertos continúan buscando una supuesta tercera fotografía y el volumen de libros y artículos publicados sobre su figura supera con creces lo que podría pensarse que 27 años pueden dar de sí. Sin contar con las reediciones de discos que aún ofrecen beneficios sustanciosos y las cifras —9000 $ por la primera edición de Love in vain, en Vocalion— que un viejo original a 78 revoluciones por minuto puede alcanzar en subasta. 
    
Sus datos biográficos se confunden con la leyenda que él mismo fomentó y que en los años 60 creció hasta alcanzar la categoría de mito. Según los estudios más fiables, nace en Hazlehurst, Mississipi, el 8 de Mayo de 1911. Hijo ilegítimo de Julia Dodds y de Noah Johnson, en su infancia acompaña a su madre en un constante cambio de amantes y domicilios; a los 17 años se casa con Virginia Travis, pero el matrimonio va a resultar breve ya que, dos años después, ésta fallece a la edad de 16 años junto al niño que estaba esperando. Robert se une sentimentalmente a una mujer mucho mayor que él, la primera de una larga serie de amantes que fue incrementando hasta su muerte, causada por la última de ellas. A lo largo de su vida tuvo un extenso e inconcreto número de hijos, todos ellos ilegítimos. Uno de ellos, Claude Johnson, conductor de camión de más de 70 años, mantuvo una dura batalla legal por sus supuestos derechos. A  finales de los '90, un juzgado de Mississipi le declaró único heredero. 
     
Sus comienzos en el mundo del blues, primero con la armónica y después como mediocre guitarrista, tienen lugar con el padrinazgo de músicos de la talla de Charlie Patton, Son House o el desconocido Willie Brown, a los que acompañaba en sus giras por garitos y tugurios de la zona cercana a Robinsonville. El propio Son House contaría años más tarde: «Entonces no era más que un chiquillo. Soplaba muy bien la armónica pero quería ser guitarrista. Cuando salíamos de noche para ir a actuar a algún baile, él solía escabullirse de su casa y aparecía donde nosotros estábamos. Ni a su madre ni a su padrastro les gustaba que frecuentase aquellos bailes del sábado por la noche, pues allí había tipos realmente muy violentos».

Y aquí entramos en la leyenda. Tras la muerte de su mujer su carácter taciturno e inclinado a la bebida se acentúa y alterna sus trabajos como temporero del algodón con el dudoso negocio de la música para diversión de los trabajadores de las plantaciones. Según declara años más tarde Son House, tras una conversación con el músico de Alabama Ike Zinnerman, en la que éste asegura que aprendió a tocar el blues a medianoche y sobre una tumba, Robert Johnson desaparece de Robisonville sin que nadie pueda dar noticia de sus andanzas hasta que, pasado un año, vuelve a aparecer y a encontrarse con sus amigos. El inexperto guitarrista se había metamorfoseado en un interprete rotundo que hacía palidecer a todos los bluesmen de la zona, como si en algún lugar desconocido alguien le hubiese regalado esa voz aguda y alterada por falsetes increíbles y una forma intuitiva de tocar la guitarra que crearía escuela; las cuerdas bajas marcando un walking bass hipnótico y las otras adquiriendo vida propia. Con el slide arrancaba lamentos como nadie lo había hecho. Keith Richards, el guitarrista de los Rolling Stones recuerda la primera vez que escuchó un disco de Robert Johnson en casa de Brian Jones, «¿Quién es ese?»; «Robert Johnson» «Vale, pero… ¿Quién es el otro tipo que toca con él?». No podía creer que fuese una sola guitarra. 

 Para sus conocidos, la escuela donde tuvo lugar su aprendizaje no era ningún misterio; el camino era bien conocido en el Delta y muchos otros lo habían seguido antes. Tommy Johnson, otro músico de la misma zona y de la misma época lo cuenta con sus propias palabras «Para aprender a tocar todo lo que quieras y componer tus propias canciones, tienes que llevar tu guitarra a un cruce de caminos, al lugar donde dos caminos se cortan. Ve allí y asegúrate de estar en el sitio preciso antes de la medianoche; entonces, coge la guitarra y toca algo tuyo. Un hombre grande y negro irá hasta allí, cogerá tu guitarra y tocará para ti, hará sonar tu canción y te devolverá la guitarra. De esta forma aprendí todo lo que necesito para tocar». 

Con la ayuda del de los cuernos o sin ella, Robert Johnson se convierte en un músico profesional en una época en la que, según B. B. King, «ser negro y tocar blues, era ser negro dos veces». Adquiere rápidamente prestigio en la zona del Delta y viaja a St. Louis, Chicago, Michigan y Nueva York. Johnny Shines fue uno de sus compañeros de viaje, tocaban en la calle, en una esquina o en la puerta de la barbería esperando la oferta de trabajo en una fiesta o un bar; después, otro camino polvoriento y otro pueblo donde no has estado nunca y donde nadie te conoce. Según Shines «…Robert siempre estaba limpio. Podíamos viajar durante todo el día en el furgón de carga de un tren o en algo peor; cuando te mirabas al espejo estabas sucio como un cerdo, pero él siempre estaba limpio. No sé como lo hacía. En esas épocas no necesitábamos tener un sitio donde ir». Robert siempre estaba dispuesto al viaje; sin un motivo aparente, recogía sus escasa pertenencias y desaparecía ante el asombro de sus compañeros. Otras veces eran turbios asuntos con mujeres ajenas los que le obligaban a partir «...las mujeres eran para él como las habitaciones de los hoteles; podía volver a la misma, pero siempre la dejaba en el sitio donde estaba». 

Por esas épocas toma contacto con otros músicos, Robert Nighthawk y Sonny Boy Willianson en Helena, Henry Townsend, Pettie Wheatstraw y Roosevelt Sykes en St. Louis. Con el tiempo parece que todos los músicos de blues, activos o no a mediados de los '30, conocieron a Robert Johnson. 

De todos sus compañeros Robert Loockwood Jr, fue el que recibió su legado de una forma más directa. Robert Loockwood era apenas unos años más joven que Johnson e hijo de Estela Coleman, una de sus innumerables amantes; siempre dijo que le gustaban todas las mujeres, pero que las maduras tenían dinero para pagar sus gastos. El chico tenía talento para la guitarra y su padrastro ocasional se esforzó en enseñarle durante cuatro o cinco años. Dos años después de la muerte de Johnson, Robert Loockwood tocaba la guitarra en un parque de Memphis para conseguir unas monedas; un hombre se le acercó y le preguntó «¿Tú eres Robert Jr.? Ven a mi casa, me gustaría enseñarte algo». Le enseñó una guitarra y le preguntó si la conocía... Era una Kalamazoo, fabricada por Gibson. «Parece la de Robert. Él afirmó y me dijo que era uno de sus hermanos. Tomé la guitarra, me senté y estuve tocando un rato. No he vuelto a verle desde entonces». Pero esto es el final de la historia. 

En 1936, un agente de la American Records Corporation, Ernie Oertle, escuchó tocar a Robert y avisó de inmediato a Don Law, un cazatalentos de la compañía. Muchos años después relató su encuentro a Frank Driggs de la compañía Columbia.  Don Law se consideraba a sí mismo responsable de Johnson en todos los sentidos. Le buscó una habitación en una casa en las afueras de la ciudad y le dijo que procurara acostarse temprano, pues la sesión debía empezar a las diez de la mañana del día siguiente. Law se reunió con su esposa y unos amigos para cenar en el hotel Gunter. Apenas había empezado a cenar cuando sonó el teléfono. Un agente de la policía local llamaba desde la cárcel donde Robert estaba recluido acusado de vago y maleante. Law acudió enseguida para encontrar a Johnson maltrecho y con la guitarra destrozada como consecuencia del trato habitual para los presuntos delincuentes negros en los estados sureños. Law consiguió la liberación de Robert bajo su custodia y responsabilidad; lo acompaño a la pensión, le dio 45 centavos para el desayuno del día siguiente y le insistió en que no se moviera de allí durante el resto de la noche. No había hecho Don Law más que llegar al hotel cuando volvió a sonar el teléfono. Esta vez era Johnson.    
     —¿Qué pasa ahora? —preguntó Law temiendo lo peor.
     —Estoy solo —respondió Johnson.
     —¿Estás solo? ¿Y qué quieres decir con eso de que estás solo?
     —Estoy solo y hay una señora aquí. Ella quiere medio dólar y me faltan cinco centavos…

A pesar de todas las dificultades Robert Johnson consiguió realizar cinco sesiones, todas ellas con Don Law y todas ellas para la A.R.C. Las tres primeras tuvieron lugar en una habitación del Hotel Gunter de San Antonio, Texas (23, 26 y 27 de noviembre de 1936) y las otras dos en la trastienda de un almacén en Dallas y en circunstancias muy similares el 19 y 20 de Junio de 1937.
En las primeras sesiones se grabaron 16 temas. Cinco de ellos verían la luz en forma de 78 rpm y uno, Terraplane blues, lograría un cierto éxito en las listas de discos para negros en la época de la depresión. Hoy en día, la posesión de uno de esos escasos ejemplares supone una pequeña fortuna. A Robert le supuso un billete de vuelta a casa con unos dólares en el bolsillo, más de los que tuvo nunca. Durante una breve temporada disfrutó de su triunfo pavoneándose ante las chicas y los otros músicos con su disco en la mano. Después, cuando el dinero hubo desaparecido, tomó un tren a cualquier sitio y se esfumó de nuevo.

De sus últimas sesiones, seis meses y medio más tarde, nacerían otras 13 canciones. Esto, 29 temas y 11 tomas alternativas; más dos fotografías constituye todo su legado. A finales de 1938, Don Law y John Hammond intentaron contactar con él; el primero para realizar más grabaciones y el segundo con un contrato para las giras «From spirituals to swing». Robert Johnson llevaba más de cinco meses muerto. Hammond pensó recurrir a Blind Boy Fuller, pero estaba encarcelado; al final, Big Bill Broonzy le sustituiría en las giras. El diablo tampoco regala nada y, al final, cobra sus deudas. 

De la muerte de Robert Johnson circularon distintas versiones; suicidio según unas; magia negra según otras… Son House, que toda su vida le recriminó su vida descarriada, escuchó que una mujer le había envenenado; Johnny Shines recuerda haber oído contar que estuvo durante días corriendo sobre sus manos y sus rodillas, como un perro, hasta que el diablo vino a llevárselo. La verdad no se supo hasta muchos años más tarde. En 1968 Gayle Dean Wardlow descubre una partida de defunción y, simultáneamente, se hacen publicas las declaraciones de dos supuestos testigos que, aunque difieren en los detalles, coinciden en lo principal y aportan los datos definitivos. 

En una entrevista a Mack McCornick, Honeyboy Edwards, un músico protegido de Johnson y Big Bill que emigró a Chicago en el '39 y grabó algunos discos en los cincuenta, revela los nombres de dos testigos oculares de la muerte de Johnson. Mc Cornick tira de la cuerda y los visita en Indianápolis y Michigan a principios de los '70. Nadie pareció darle importancia en su momento a la muerte de un guitarrista; esas cosas eran lo suficientemente normales en esas época entre los vagabundos negros. En los archivos policiales de la zona no había referencias y el oficial encargado no podía entender el interés de Mc Cornick por un supuesto asesinato cometido hacía más de 30 años. 

En aquellas épocas, ser músico de blues era un oficio peligroso, los otros músicos envidiaban tu éxito, las mujeres te odiaban si ponías los ojos en otras y los hombres te odiaban si ponías los ojos en sus mujeres. Robert estaba en el mejor de sus momentos. Con la música y con las mujeres. Los testimonios de ambos testigos coinciden en líneas generales; en Agosto de 1938 Robert Johnson estaba tocando en el local de baile de un pequeño pueblo llamado Three Forks, a unas 15 millas de Greenwood. El local era propiedad de un individuo llamado Ralph, con cuya mujer Robert mantenía relaciones. Una noche, este hombre le ofreció una bebida envenenada con estricnina. Poco más tarde Robert Johnson tuvo que dejar de tocar y fue conducido a la ciudad. Falleció tras varios días de agonía en casa de un conocido. 

Declaraciones posteriores de Sonny Boy Willianson aportaron tintes más coloristas a la historia. Al parecer esa noche la armónica de Sonny compartía cartel con Robert. El conocía la historia de los amoríos de su compañero con la esposa del dueño del local y había captado el ambiente tenso y las miradas torcidas de algunas personas. Durante una pausa en la música alguien trajo una botella abierta con media pinta de whisky en su interior y se la ofreció a Jhonson marchándose después. Cuando este comenzó a beber Sonny intentó apartar de sus labios la botella «Nunca bebas de una botella abierta. No sabes lo que puede haber dentro». Robert le contestó de una forma tajante muy acorde con su carácter «No vuelvas a quitarme una botella de whisky de las manos». 

El documento de su defunción carece de la firma de un médico. Su madre y su cuñado asistieron a su entierro en un ataúd de madera pagado por el estado. Aunque varios lugares de la zona se disputan el dudoso orgullo de alojar sus restos parece ser que fue enterrado en el pequeño cementerio de la Zion Church, cerca de Morgan City. En su tumba no figuró ningún nombre pero está situada a un tiro de piedra de la carretera comarcal nº 7 de Mississipi, para que, como él había cantado «…Mi viejo y maldito espíritu pueda subirse a un autobús Greyhound y marcharse». 

La influencia de Johnson en el panorama musical que surge en los años 60 y continúa en nuestros días es inabarcable y sobradamente conocido. La admiración manifestada por muchos de los mejores intérpretes y compositores, no sólo dentro del blues; las mil veces versioneadas 29 canciones, las reediciones de aquellas cintas grabadas en la habitación de un hotel y en la trastienda de un almacén… Hasta el gobierno de los Estados Unidos ha hecho circular un sello de correos que reproduce una de las dos fotografías que conocemos de él. Su biografía sigue siendo confusa y presentando lagunas desconocidas, alguien dijo que investigar sobre ella es como seguirle los pasos a un fantasma. Nunca podremos saber lo que hubiese sido su música si hubiese estado presente en el resurgimiento del blues y hubiese llegado a alcanzar la edad y la capacidad creativa de Muddy Waters, John Lee Hooker o B.B. King. El diablo hizo bien su trabajo, le dio la fama y la inmortalidad, pero de una manera que él no pudo saborear y que ha dejado un rastro vago e impreciso de su persona. 

Aún hoy en día, en los pueblos del profundo sur, puede verse algún joven negro que, una noche de verano, coge su guitarra y cerca de la medianoche, camina por un camino polvoriento buscando un cruce de caminos. Cuando esto ocurre, los más viejos miran con la sonrisa que se reserva a los predestinados, le dejan hacer y no dicen nada. 
 

Artículo original de Ramón del Sol, director de la revista BlueSpain

Para la revista Kerrang ocupa el primer lugar en la lista de conciertos que conmocionaron el mundo. La actuación de Nirvana el 30 de agosto de 1992 como cabeza de cartel del festival británico de Reading es uno de los conciertos más pirateados de los anales de rock'n'roll. Ahora los fans tendrán la oportunidad de poseer una copia inmaculada de la actuación completa, en formato video, extraída de la filmación original, con el color mejorado y el sonido de la grabación multipista original, ha informado hoy la discográfica Universal mediante un comunicado.
Nirvana Live At Reading se editará en una versión limitada "de lujo" en CD más DVD (además de DVD y CD) por separado el 3 de noviembre. El 17 del mismo mes saldrá a la venta una versión en LP doble.

Aunque la mayor parte de la actuación recoge la interpretación del álbum Nevermind al completo, también se incluyen las primeras interpretaciones en directo de temas entonces aún no grabados, como las canciones que se incluyeron dos años después en el álbum In Utero:All Apologies, Dumb y la primera interpretación en público de Tourette's.

La lista del repertorio también incluye incursiones a los principios de la carrera de la banda con canciones de su álbum de debut con Sub Pop, Bleach (1989), como Blew, About A Girl, School, Negative Creep y el primer sencillo Love Buzz." Hay incluso un tema de mediados de los ochenta: Spank Thru."

Otras canciones incluidas en el repertorio aparecieron en versiones de estudio en la recopilación Incesticide publicada a finales de ese año: Aneurysm, Been A Son y Sliver. Además la banda interpretó un par de versiones muy queridas de dos grupos que ayudaron a establecer el sonido de Nirvana. The Money Will Roll Right In de Fang y D-7 de The Wipers.

Nota: si accedéis a los enlaces podréis disfrutar de las canciones y volver a sentiros grunges de pura cepa.
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Aquí os dejo un artículo que me ha parecido, cuanto menos, curioso y con algunos datos interesantes. Escrito por Javier Sampedro.

Ésta es la primera entradilla de la historia que no responde las cinco preguntas clásicas del periodismo musical, sino que plantea seis: ¿Están las melodías cerca de acabarse? ¿Por qué el iPod parece el mejor de los djs? ¿Hay música para chicas y para machotes? ¿Por qué tengo muchos más discos en las letras M y S que en el resto? ¿Cuántos años faltan para que toda la música acabe en Internet? ¿Por qué la segunda canción del disco parece siempre la mejor? Las preguntas son del jefe, así que hay que responderlas. Por fortuna no falta material en las librerías, con las recientes obras del neurólogo Oliver Sacks (Musicofilia, en Anagrama) o del músico y científico cognitivo Daniel Levitin (El cerebro y la música, en RBA), ambas originales y de un gran interés, y de algún otro libro. Además uno tiene sus contactos, así que vamos a ello.

- ¿Están las melodías cerca de acabarse o las canciones (no atonales, claro) son infinitas? El número de melodías dodecafónicas es fácil de calcular -son unos 500 millones-, pero difícil de interpretar. Casi toda la música es tonal, es decir, que se basa en generar y resolver tensiones sobre un punto de anclaje o reposo armónico (la tonalidad, como do mayor o la menor). Cualquier sistema tonal implica que unas notas (la tónica o ancla y sus socios naturales) se utilizan mucho más que otras en una melodía.

Lo que hizo Schönberg fue prohibir por estatuto usar una nota más que otra: la melodía dodecafónica debe llevar las 12 notas que hay en la escala, y ni una más. Schönberg no fue el primer músico atonal, pero sí el primero en proponer esa fórmula matemática simple para garantizar al compositor una atonalidad cristalina.Las posibles melodías dodecafónicas, por tanto, son las permutaciones de 12 notas tomadas de 12 en 12, que son 12! (12 factorial, o 12 x 11 x 10 x 9...), o cerca de 500 millones. La biblioteca de iTunes tiene seis millones de canciones, así que ahí parece haber margen para 80 bibliotecas iTunes más. Lo que ocurre es que poca gente llamaría melodías a la mayor parte de esos productos matemáticos.

Responde mi crítico musical favorito, Diego A. Manrique: "Uno de los primeros números de Rolling Stone se planteó la cuestión a principios de los setenta. ¿Se están acabando las melodías? No supieron responderla".

¿Cuántas melodías tonales hay? Una forma de estimarlo puede ser no partir de 12 notas, sino de 7: la escala diatónica descubierta por Pitágoras (do re mi fa sol la si), casi un producto de la física del sonido. Son las teclas blancas del piano, y casi cualquier forma en que uno toque esas teclas produce una melodía tonal.

Pero las permutaciones de siete notas tomadas de siete en siete apenas pasan de 5.000. Cada una debería estar repetida 1.200 veces en iTunes. Y aún puede que siete notas sean demasiadas. El mayor éxito de Weather Report, Birdland, se basa en una melodía de una simpleza insultante: sus cinco notas sólo dan 120 permutaciones. ¿Entonces qué pasa?

Que el diablo mora en los detalles. Cuando las primeras bossa nova fueron acusadas de monótonas, Antonio Carlos Jobim respondió con la Samba de uma nota so, donde la única nota de la melodía adquiere cinco significados radicalmente distintos según a qué acorde pertenezca. La innovación en música, como en todo lo demás, no es una cuestión de combinatoria, sino de profundidad, durará cuanto dure el talento.

- ¿Cómo funciona el shuffle del iPod, que a veces parece el mejor de los djs?

 "La reproducción de canciones obedece estrictamente a una selección aleatoria entre las que tiene almacenadas", dice el portavoz de Apple, Paco Lara. ¿Será entonces el azar el mejor de los djs? No. La clave está en el almacén, o en su guardián: un autómata llamado Genius. Es parte de la última versión de iTunes, el programa de Apple para reproducir, organizar, sincronizar y comprar música.

"iTunes 8 incluye la revolucionaria característica Genius", explica Lara, "que con un solo click en una canción crea una lista de reproducción con otras canciones de tu biblioteca que van bien juntas con ella". Pero entonces, ¿está programado en iTunes el concepto ir bien juntas? Aquí pinchamos: "Me temo que los algoritmos que están detrás de la tecnología Genius no están descritos públicamente".

Según Apple, Genius ayuda al usuario a "redescubrir las canciones favoritas que ya tiene", y le sugiere canciones afines "que todavía no tiene", por si quieren añadirlas a su colección. Genius combina tu información con los datos anónimos de millones de usuarios de iTunes y la procesa con esos misteriosos "algoritmos desarrollados por Apple". ¿De qué van?

Genius es un filtro colaborativo, un tipo de programa que recoge información sobre los gustos de todos y la usa para predecir el gusto de cada uno. Estos sistemas no funcionan sacando promedios, sino deduciendo pautas. Buscan a otros usuarios con tu mismo patrón de preferencias, y luego aplican un principio simple y eficaz: quienes han coincidido antes tienden a coincidir después. Los humanos somos así, y Genius lo sabe.

"Pruébalo", me dijo Lara, y así lo he hecho estos días. Es verdaderamente espectacular. Con muy poca información de partida -como una versión concreta de Summertime por el guitarrista de jazz Barney Kessel-, Genius ha clavado mi perfil de oyente, hasta el extremo de que ya me ha descubierto otros cuatro guitarristas a los que ignoraba por entero, y que me gustan mucho más que Barney Kessel, les confieso espontáneamente. ¿Cómo lo hizo?

Manrique explica: "Hay una empresa que se dedica a clasificar las canciones según características como el tiempo que tarda en entrar la melodía, el número de veces que se repite el estribillo o el tipo de armonías. Presumían de predecir los éxitos". Así funciona Genius -con criterios musicológicos- y por eso funciona tan bien.

Pero Genius también usa cualquier otro truco que le venga bien. Por ejemplo, le metí las gymnopédies de Erik Satie y me devolvió el tema de La lista de Schindler, de John Williams, que no se parece en nada. Genius lo había encontrado en Google. Y no reparó en que ése era otro John Williams: un guitarrista clásico conocido por sus transcripciones de Satie.

- ¿Hay una música para chicas y otra para machotes?

"Sí, pero sólo en España", responde con humor (alemán) mi musicólogo y neurocientífico favorito, Stefan Koelsch, del Instituto Max Planck de Ciencias Cognitivas en Leipzig. "No, pero ya en serio, yo creo que las nanas las suelen cantar las madres más a menudo que los padres, pero puede ser una cosa cultural". En la que Koelsch, por cierto, no ve ninguna ventaja: "Yo personalmente creo que las nanas y otras canciones cantadas por los padres -y no sólo por las madres- tienen unos efectos muy beneficiosos para el niño".

El científico prosigue: "De modo similar, no pienso que haya una base biológica para las diferencias musicales entre sexos. Las distintas preferencias musicales de hombres y mujeres vienen determinadas sobre todo por la cultura, probablemente. Pero es cierto, por ejemplo, que la música de algunas cantantes es considerada 'para chicas' por los adolescentes, y despreciada por los chicos. Y también es verdad que se manejan perfiles sobre la distribución de género de los oyentes para una canción, una banda, una emisora de radio o lo que sea. Steven Brown recoge algo de esto en Music and manipulation". Ahí tenemos otro libro.

Manrique, creador del espacio Sólo para ellas en Radio 3, añade otro ángulo: "Los hombres tendemos a organizar nuestras preferencias con unos criterios más rígidos que las mujeres, como para convencernos de que controlamos la realidad; marcamos así nuestro territorio, y todo lo que queda fuera de la frontera tiene que ser necesariamente terrible". "Las mujeres están mucho más desprejuiciadas", prosigue el crítico, "y cuando escuchan música no tienen necesariamente que estar reforzando sus esquemas y estereotipos; tampoco necesitan comprarse todos los discos de B. B. King, por ejemplo".

- ¿Por qué en mi discoteca tengo muchos más discos en las letras M y S que en el resto?

Ésta no es de música. También mi agenda del móvil está llena de emes -manolos, marías, manriques-, y algo similar pasa en los diccionarios. La preponderancia de la M se debe seguramente a que no hay mejor forma concebible de empezar una palabra: cerrando la boca.

- Al ritmo sostenido que llevamos de sumar canciones a la Red... ¿Cuántos años faltan para que toda la música acabe en Internet, si tal quimera es posible?

 Es posible que ya esté en la Red toda la música, aunque sólo en un sentido estrecho de la palabra "toda". También es verdad que, por ahora, muchas grabaciones descatalogadas sólo están disponibles en servidores de difusa legalidad. "Si encuentras algo que te interesa en una de esas páginas de descargas gratis", aconseja Manrique con ironía, "más vale que te lo bajes de inmediato, porque al día siguiente pueden haber cerrado 'por aviso legal'".

De todos modos, "hay miles de canciones que no han llegado a Internet, y que quizá nunca lleguen", dice Manrique. Las emisoras de radio, por ejemplo, tienen registradas innumerables interpretaciones en directo que emitieron desde sus estudios, y que rara vez se han editado en disco, y casi nunca han llegado a la Red. "¿O qué sabemos de la música de Indonesia, o de Manchuria en los años treinta?", se pregunta Manrique ahora que no le oye el jefe.

- Y acabamos con la sexta pregunta ¿Por qué el segundo corte del disco parece siempre la mejor?

 Responde mi periodista favorito, Walter Matthau: "Oh vamos Hildy, ¿quién llega al segundo corte?".
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Cuando todavía resuenan los ecos del hit veraniego que ha sido When love takes over, en el que la ex Destiny's Child Kelly Rowland pone la voz, llega el nuevo single de David Guetta, Sexy Bitch, en el que el popular DJ cuenta con la colaboración del rapero Akon.

Para Guetta y Akon el final del verano no ha llegado aún, ya que protagonizan un video muy caluroso donde podemos ver a los dos artistas en una fiesta en una piscina y rodeados de bellas mujeres en bikini, antes de acudir a un club para disfrutar de una noche salvaje.Sobre el contenido del video, su productor Herve Humbert dice: "el protagonista se despierta cubierto por fotos de una noche muy caliente junto a una chica que conoció en la fiesta en la piscina de David Guetta."

Herve explica además que "es un vídeo experimental. Es la primera vez que nos atrevemos a filmar un vídeo con diferentes versiones y diferentes directores, pero al mismo tiempo dejando libertad a los realizadores para grabar lo que quieran".

"Sexy Bitch" se extrae del nuevo álbum de estudio de David Guetta, One love, lanzado el pasado 25 de agosto. Además de colaborar con Kelly Rowland y Akon, el DJ cuenta con Kid Cudi, will.i.am, Ne-Yo y Estelle.

El siguiente video es un "Behind the scenes" del videoclip.

Web oficial

Los músicos del siglo XXI quieren sentir el calor de sus seguidores en la Red. Para conseguirlo, las bandas ‘cuelgan’ canciones gratuitas o muestran sus actuaciones en directo.

Hace tiempo que las discográficas perdieron la batalla de la promoción y del descubrimiento de artistas. La desaparición o falta de inversión en los departamentos de A&R (Artist and Repertoire), división de los sellos que se ocupaba de encontrar nuevos talentos y de desarrollar su carrera, ha provocado que los grupos de música opten por la solución del hazlo tu mismo.

Uno de los primeros que se dio cuenta de esta situación fue el ecléctico David Bowie que, desde que tuvo lugar la explosión definitiva de Internet, ha llevado a cabo todo tipo de iniciativas –distribución a través de su web, concurso de remezclas de sus canciones por los fans, etc.–. Luego le siguieron Peter Gabriel, Radiohead o U2.

Muchos dijeron en su momento que este tipo de iniciativas sólo serían posibles y efectivas para artistas consagrados. Sin embargo, grupos y solistas "desconocidos" comoArctic Monkeys, Amy Winehouse, Lilly Allen o Aaron Thomas –un australiano afincado en España–, consiguieron contratos discográficos gracias a Internet y a herramientas de difusión de música como la red social MySpace.

Reducción de costes
La digitalización o desmaterialización de la música ha hecho que los costes de producción y de distribución hayan disminuido drásticamente y que los músicos tengan mayor capacidad de negociación. En este sentido, son muchos los artistas que han decidido abandonar sus sellos discográficos para empezar una carrera de manera totalmente independiente, con el único apoyo de su capital de salida, de sus seguidores –en ciertos casos económico–, las ganancias generadas por las ventas de canciones en la Red, la recaudación de las giras y del merchandising vendido en estas últimas.

Una de las iniciativas más llamativas de los últimos años ha sido la de las bandas que han pedido ayuda económica directa a los fans para financiar sus nuevos trabajos. La primera en hacerlo fue la británica Marillion que contactó con sus seguidores a través de un correo electrónico para pedirles apoyo financiero. El álbum salió adelante y, desde entonces, el grupo de rock ha empleado el mismo sistema.

The Alps, también produjo su primer disco gracias a las donaciones de una leal legión de fans. Este grupo se convirtió en el primero que sacó un álbum a través de Slicethepie, un sitio web que ofrece a los artistas independientes la oportunidad de grabar y editar discos mediante la compra de acciones por parte de los seguidores.

En España, una de las bandas que ha decidido dar paso un paso hacia el 2.0 ha sido Hombres G, primeros artistas nacionales con una carrera consolidada que se lanzan en una iniciativa como ésta. “La industria musical es un barco que se hunde desde hace tiempo, que no puede seguir a flote y hay que cambiar”, explica David Summers, cantante y bajista de la banda. “Estamos pasando por un momento turbio y estamos cerca del fin del mercado como lo conocemos. El futuro está en los artistas 2.0”, considera el guitarrista Daniel Mezquita.

Escaparate en Internet
Para salir y seguir adelante el cuarteto ha abierto un verdadero escaparate en Internet en www.hombresg.tv. En este sitio ofrecerán su música y otros contenidos para acercarse al público: conexiones en directo con el local de ensayo, vídeos, fotos, blogs o los comentarios de los integrantes del grupo en sus cuentas de Twitter. Gracias a esta plataforma, comentó Summers, podrán trabajar con su público que opinará sobre su trabajo y podrá hacer propuestas.

Para los integrantes de Hombres G, éste es un nuevo reto y, de una cierta manera, una mirada hacia atrás. Como cuenta Mezquita, esta etapa es para ellos como volver a empezar, cuando no pensaban en vender un millón de copias, sino en la ilusión de llenar una noche un bar. “Nos dará muchísima libertad. Podremos dar rienda suelta a todas nuestras locuras o actividades que queramos mostrar, sin pasar ningún filtro, sin tener que consultar a nadie”, matiza Summers.

Otro ejemplo de la nueva y reforzada relación entre músicos y fans lo ha dado en junio el grupo pop británico Arctic Monkeys, que ha acompañado la publicación de su último disco con una actuación en directo a través de su web. Así sus seguidores pudieron escuchar, de manera íntegra, el nuevo álbum.

Crisis total en las ventas de discos físicos
Según los datos de la industria estadounidense, en el primer semestre de 2009 los discos físicos acapararon el 65% de las ventas del mercado, mientras que el otro 35% fue ocupado por las descargas. Estas cifras no serían relevantes si no se tuviera en cuenta que en 2007 el comercio de la música online representaba sólo el 20% del total, lo que significa que en dos años ha ganado un 15%.

Las empresas de descargas legales, como iTunes o AmazonMP3 son los grandes sitios de pago que se han visto beneficiados. De hecho, la conocida web de Apple vende la cuarta parte de todas las unidades de música digital comercializadas en EEUU.

Frente a estos últimos datos, la compañía NPD, empresa especializada en los análisis de la industria discográfica, predice que en 2010 la venta de discos físicos y de las descargas legales en Internet se equilibrarán, alcanzando una proporción casi idéntica.

El exjugador del R. Madrid Álvaro Benito y los suyos han rechazado las acusaciones del alcalde de Agudo, Ciudad Real, donde se realizó el concierto.
El alcalde asegura que la banda abandonó el concierto a mitad de actuación habiendo cobrado por adelantado para hacer el show completo.

El alcalde de Agudo acusó al grupo hace unos días de incumplir el contrato, y el público se despidió del grupo a gritos con un "esto es un atraco".
Pignoise aclara en la nota que era peligroso para el equipo continuar el concierto con los problemas que estaban sufriendo.

Pignoise objetó que ellos tocaron "73 minutos" ofreciendo una "actuación completa" a pesar de las "graves deficiencias en el suministro de la corriente eléctrica", que provocaron que los sistemas de sonido e iluminación se bloquearon cinco veces y que cortaron en la última canción.

El grupo se apoya en la afirmación que hicieron el técnico y electricista del ayuntamiento en la última canción del repertorio, el tema "Te entiendo", de que "era inviable seguir adelante" ya que los sistemas se habían bloqueado, esta vez totalmente.

Según el ya nombrado alcalde no fue así, el apoya la idea de que el
grupo madrileño estaba “molesto” por tener que actuar después de Los Chichos,
quienes, ”casualmente”, no tuvieron problemas técnicos.
Éste
mismo añade que les facilitaron “muesli y gominolas” al grupo, y que se
preocuparon más de eso, que de terminar la actuación.


Moraleja: No vendas la piel del oso antes de cazarlo.

Tras la polémica desatada por la paliza sufrida a manos de Chris Brown, Rihanna regresa a la escena musicalcon una imagen mucho más agresiva en el espectacular videoclip de Run this town, el nuevo single del rapero Jay-Z, que también cuenta con la participación de Kanye West.

La canción pertenece al que será próximo álbum de Jay-Z, The Blueprint 3, toda una superproducción hip hop en la que también participan artistas de la talla de Alicia Keys, MGMT, Timbaland, Pharrell o The Neptunes. El videoclip es obra del director Anthony Mandler, que afirma que: "queríamos que el espectador se sintiera incómodo, creando una atmósfera caótica" y que para ello se ha inspirado en las milicias rebeldes de zonas como Brasil, el Medio Este y África.

Está previsto que The Blueprint 3 salga al mercado el próximo 11 de Septiembre.

Puedes ver el videoclip en la web de Perez Hilton, el azote de los famosos

Sorprendió a propios y extraños cuando, a finales de 2003, abandonó The Cranberries para iniciar su carrera en solitario. Tras un debut prometedor con Are you listening?, Dolores O'Riordan presenta el martes No Baggage, un trabajo que que la cantante describe como "luminoso y positivo". La ex de The Cranberries, que asegura sentirse "en el mejor momento" de toda su vida, no evita hablar sobre el grupo que le lanzó al estrellato internacional: "Es inevitable que mi voz esté asociada a The Cranberries. Yo soy The Cranberries, y siempre lo seré", declara.

Mirada penetrante y dura, pero al mismo tiempo cálida y cercana, O'Riordan asevera, en una entrevista con Efe, que "nunca" se separará de la formación con la que vendió 35 millones de discos, e incluso aventura un posible regreso: "Quizás dentro de unos años The Cranberries salgan de gira otra vez".

La artista de Limerick, que con No Baggage se enfrenta a su confirmación como solista, profundiza durante once canciones en "esos momentos duros" en los que uno cree que nunca será capaz de levantarse. "Lo importante -precisa- es que puedas darte cuenta de que, por mal que veas las cosas, todo puede mejorar".

O'Riordan ha jugado con el título del disco, No Baggage -Sin equipaje- para referirse a la carga emocional con que la vida caracteriza a todas las personas: "¿Hay alguien sin equipaje? Todo el mundo tiene su equipaje, porque es lo que te convierte en quien eres y te hace más fuerte". Switch off the Moment, tema que abre el disco, es una reflexión sobre el insomnio y sus causas: "Cuando tienes en la cabeza muchas cosas que te preocupan, es imposible dormir". "Entonces -añade- necesitas a tu lado a esas personas que pueden transmitirte calma".

Dolores O'Riordan, que también sufrió problemas para conciliar el sueño, asegura que ya he dejado atrás "las pastillas para dormir", sustituidas ahora por "discos relajantes". "Cuando era joven no había ordenadores portátiles, pero ahora son muy útiles, porque puedo llevarme mi música de yoga a todas partes", declara entre risas. "Sentimientos, esperanzas, inseguridades...", cita la artista cuando se le pregunta por las inspiraciones que impregnan No Baggage. "Siempre trato de ser absolutamente honesta sobre lo que siento, y creo que este disco es un buen ejemplo", afirma.

Contra lo que se pudiera esperar, Skeleton no habla de huesos y calaveras, sino de los secretos y vergüenzas que las personas "esconden en sus armarios". Por su parte, la balada Lunatic expone la necesidad de olvidar aquello que provoca la infelicidad, puesto que puede "conducir a la locura".

O'Riordan, luchadora, explica que no podría concebir "una vida sin retos". "Cuando la vida es perfecta se convierte en aburrida; tienes que desafiarte, porque eso te da una razón para vivir", expone esta mujer que cita como referentes musicales a Elvis Presley, Frank Sinatra, Johnny Cash, Sex Pistols o David Bowie. Por otro lado, la fortuna se ha mostrado esquiva con O'Riordan en las últimas semanas, cuando se ha visto obligada a cancelar la gira de presentación de "No baggage", que debía comenzar el 24 de septiembre en Toronto, sin más motivos que "los tiempos de cambio" para justificar la decisión.

Más info y posibilidad de escuchar algunos temas:

web oficial          myspace
 

                                               Brtney Spears haciendo campaña electoral

Britney Spears ha aprovechado su reciente aparición en el programa de entrevistas de David Letterman -no en el de entrevistas de  MrAlariko, el tiene más nivel- para mostrar su particular "sentido del humor" y lucir su cuerpo en bikini.

La cantante ha participado en una sección cómica del show llamada Top 10, explicando las diez cosas que cambiarían si ella fuera presidenta de los EE.UU. Y aquí está el programa electoral de la loca cantante Americana:

10. Sería la primera presidenta desde Nixon en llevar sombra de ojos.

9. EE.UU. sólo invadiría lugares divertidos, como Cabo.

8. Habría tartas gratis para todos.

7. Su despacho presidencial estaría en una cabaña en un casino de Las Vegas.

6. Haría salir a Bin Laden de su escondite, atraído por el olor de su nueva fragancia Circus Fantasy.

5. En cada conferencia presidencial habría cambios de vestuario.

4. América tendría una estrategia fiscal más coherente.

3. Aceptaría el desafío de colocar un nightclub en la luna antes del final de la década.

2. Nombraría vicepresidente al rapero P.Diddy.

1. Por fin los medios le prestarían un poco de atención.


El vídeo estaba en youtube, pero el poder de los famosos & ricos surgió:

-Este vídeo ya no está disponible debido a una reclamación de copyright realizada por CBS.-